文藝復興時期由十五世紀初至十六世紀末(1450-1600)，這時的特色是加入器樂、小音符很多、節奏頗快。十六世紀開始合唱進入戰國時期，各種派別也一一出現。以下便是在音樂史上較重要樂派的介紹。首先向各位介紹的是布根定(Burgundian)樂派。

布根定樂派(Burgundian)

本樂派源於由一位喜好音樂的布根定公爵所推行，這位公爵在當時相當有勢力，他的城堡範圍遍及法國、比利時、尼德蘭的邊境地區，可想而知在這麼廣大而民族混雜的地區，優異文化的產生是相當容易的，而且布根定公爵及他的後代子孫對於境內的音樂、繪畫等藝術活動都相當支持，如此持續將近百年的時間，因而形成了一個樂派。

此樂派特色是大多是三聲部的複音樂曲，旋律的發展大都在高音部，這時已有三度音。在早期音樂裡有釵h三的組合，因為他們認為三是個完美的數字，如天主教的三位一體、三度音、三拍子等。使用較多的和弦，對位較少，終止式常用一種名為Landini的Ti La Do這樣的組合，其代表人物有Dufay (1400-1474)，他的年代正好跨入文藝復興時期。

福來樂派(Flemish)

銜接布根定樂派，十五世紀後半期在法國、比利時、荷蘭等地流行。此樂派在西洋音樂史上扮演相當重要的角色，因為在這時的作曲技巧都深深影響著後世的大作曲家，所有複音樂派的作曲家都被類歸於此。

本時期的特色如下：已經以四聲部樂曲為主，有女高音、女中音、男高音(持續調)、男低音。十分重要的一點是，這時期的作曲家都遵守了嚴格的對位理論，每一個聲部都有相同的重要性。和弦、對位交互運用也是特色之一，另外在三和弦的使用上已相當完整，無論是大三或小三和弦，而且其終止式也變成現在常見的終止式。

終止式對於一個時代的劃分是相當重要的，因為它代表當時人們對音樂結束時所要的感覺。本學派對後世的影響一直到十六世紀末期的大作曲家身上都能看到，尤其是在Palestrina身上可看到福來最完整的表現。

福來樂派的開山祖師是Josquin Des Prez (1450-1521)，恰好在文藝復興的初期。他能夠以最簡單的旋律表現純樸、誠摯的情感及對上主的讚頌與感念；而和聲則以調性的方式處理，這可算是相當大的進步，因為一直到十八世紀才有和聲學的出現。他也是最早做彌撒曲的作曲家之一。

Orlando De Lassus (1532-1594)生於比利時，十二歲就到當時的音樂重心─義大利學習，後來也去了英、法、德等國，所以今天我們所收集他的樂譜中有英法德義等語言。他算是相當有國際觀且多產的一位作曲家，其中經文歌(Motet)可算是他最喜歡作的一種類型，他一共作了1200首；另外，彌撒也有五十多首，並還有一些聖樂和俗樂的作品。

合唱教戰守策

如何唱好文藝復興時期的音樂？首先要瞭解時代背景及歌唱形式。

文藝復興究竟在復興什麼呢？這原本是從藝術界及人文界所發展出的名詞，而藝術界的時間還比1450年更早，他們復興的對象是針對古希臘羅馬藝術而言，他們認為已失傳的古希臘羅馬藝術，如繪畫、雕刻等是相當值得推崇的；而在音樂界，所謂的文藝復興並沒有想要復興古希臘羅馬的音樂，因為古希羅的音樂是極其簡單的形式，只是音樂發展到這個時代我們稱它為文藝復興時期，若真的去復興發展古希臘羅馬時期的音樂，則會成為我們現代所看到的歌劇形式，就比較和合唱無關了。

文藝復興時期有相當重要的歷史意義，這時代有獨樹一格的特性，強調一種人文精神，比較樂觀、現世、個人主義，總觀可說是人本主義的時代。

而何謂人本主義？在早期所有的藝術活動都是為了宗教而作，到了文藝復興後開始將上述活動的重心調整在〝人〞的身上，像畫家有時會將自己畫入作品中，音樂方面〝人性化〞的感覺也越來越強烈，我們可以發現俗樂增加了，一般人唱歌不一定是要榮耀上帝，而是為了自己快樂而唱歌。

文藝復興時期是音樂史上最偉大的時期之一，無論在創作或演奏方面，量都相當多，質也頂高。另一方面，也由於印刷術的發達及歌譜的流傳，更助長了音樂發展的速度。

在人的聲音方面，自中古世紀以來的經驗發覺，人要唱得更好發聲方法必須得當。因此，在這個時期也開始有人在教唱聲樂，水準已比往日提昇，但還未達到今日所聽到聲樂家的發聲法及共鳴法，所以在唱這時代的歌曲時並不能有那麼厚實的聲音出現。這時代的曲子基本上都是井然有序的，因為當時的作曲結構都相當完整，而聲音表現方面都是很清澈的，就算是Bass也沒有那麼渾厚，是彈性、輕快、自由的感覺。音色方面Sop也沒有厚重的抖音，在合唱團的人數方面通常是四到二十人左右。

本時期的聖樂聲音是很輕的，也沒有太大的漸強因為那時的記譜法並沒有所謂的forte piano ，這時期的聖樂有的爬音如Do Re Me Fa Sol 或Re Me Fa Sol La，基本上隨著音型的上升就有稍微漸強，音形下降就漸弱，而這樣的起伏在一首曲子當中是相當多的，這是本時期音樂的一種規則，所以各位在唱的時候會感覺很好唱很舒服，並沒有fff、ppp這樣極端的音量，所注重的是對位及和聲。對位時強調每個聲部進入的〝點〞都要相當清楚，注意主旋律的進行。轉到和聲式的時候就要做出清楚漂亮的和聲。

另外，若要將文藝復興時期俗樂唱好，各位只看以上的資料是不夠的，耳朵裡一定要有本時代風格的聲音，一定要多聽好的合唱團所唱的和聲，風格聽久了就能自然的模仿，甚至還可以看當時的繪畫、雕刻去感受那種人本主義的精神，這樣唱起歌來就更能融入其風格了；在聲音上，除了掌握前述〝輕快自由〞的特色外，有一本書上曾經說過，唱文藝復興時期的俗樂要有一種〝好奇〞的感覺，想想是蠻貼切的。

尼德蘭樂派(Netherlands)

早期音樂發展的主流分為三個時期：早期為布根定樂派，中期是福來樂派，後期則是尼德蘭樂派。所以尼德蘭樂派流行的範圍也承接前兩個時期，在今天荷蘭地區，包含荷蘭的中部、南部、比利時、法國東北部。

在這我們要提一位有名的大師，那就是Palestrina(1525-1594)。他是當代相當偉大的作曲家，作品質與量均豐富。他最大的貢獻是將一場關係到音樂發展的危機化解。在當時，複音音樂已發展到相當繁複的境地，當代教皇認為這樣複雜的音樂不適於表現對神的尊敬，所以有意命令作曲家們將音樂再度朝向簡單化的方向發展。後來是因Palestrina做了一首曲子，使得教皇再度肯定當時的音樂風格，而收回成命。

這首曲子就是有名的Missa PaPae Marcelli彌撒曲，本曲共有五個樂段：Kyrie, Gloria, Credo, Sunctus, Agnus Dei，可說是相當完整。

同一時間，歐洲有教宗級的教堂，而在教堂內工作的作曲家我們稱之為羅馬樂派。Palestrina在當時被稱為音樂之王，由於他過人的才氣使得他得以在教宗級的教堂任職作曲。Palestrina是羅馬樂派的創始者，他將複音藝術的音樂風格提昇至巔峰，其創作的歌曲都是清唱式而沒有樂器伴奏。

Gregorio Allegri (1582-1652)也是羅馬樂派的作曲家，他的音樂很優美，使用兩個合唱團，一個主音一個回音，其著名的Miserere在台灣非常流行。像這樣的雙合唱團技巧在當時的威尼斯相當流行，因此形成了威尼斯樂派。雙合唱團的興起是有原因的，威尼斯當地有一個聖馬可大教堂，裡面有兩組管風琴，一左一右，作曲家門便特別為這樣的結構安排兩個聖詠團對唱，而這樣的習慣沿襲下來便成為威尼斯樂派。本樂派的創始者是前面介紹過福來樂派的Josquin Des Prez的弟子Andrian Willaert（1490-1562），他在聖馬可大教堂服務。威尼斯樂派的鼎盛時期是Andrea Gabrieli(1510-1586)這位作曲家的作品在台灣較多人出版，因此也較容易買到。Gabrieli有叔姪兩人，姪子在聲部的處理、音樂的線條方面都非常的自由。

另有一偉大作曲家，Tomas Luis de Victoria(1549-1611)，後歸類為西班牙樂派。Victoria可說是承襲Palestrina最好的作曲家。他的作品全都是聖樂，不像其他當代的作曲家也作俗樂、十六世紀的牧歌、鄉村歌曲或當地民謠改編成的合唱曲。他的Ave Maria台灣很多合唱團都唱過。

如何唱好文藝復興時期歌曲

文藝復興時期的特色音色是清亮自然的：sop不能有抖音；alto的部分都能用tenor高八度來唱；tenor也相當輕柔，通常是一個持續的音在進行；bass也不厚重，聲音的音區要往上移，頭腔共鳴多些而胸腔少些，輕輕和即可。人員編制都在四到十六人左右，不像現在有百人合唱團。大多是四聲部的歌曲，另外也有八聲部、十六聲部甚至有多達三十個聲部的曲子。因為人少，觀眾的焦點會更集中在每一個人的聲音上，所以演唱者必須很有表情、音樂性音色必需相近，不像大的合唱團音色的問題可以用人數來彌補。本時期合唱歌曲大都沒有指揮，都靠著相互的默契。在音樂表現方面，樂譜上通常沒有fp的記號，現在所看到的都是後人加上去的。和聲方面通常在結束的時候都會走到一個和弦上，直的和聲會在一起，所以和聲的音色與準確度需要特別注意。另外就是每一個對位聲部的線條都要明確地被聽到。「風格」需要多聽，很難用言語來描述一個風格；一般而言，歐洲隊伍唱的文藝復興風格比美國隊要正確些。